Cine fantástico, de terror y de ciencia ficción. Revista online - Scifiworld http://www.scifiworld.es Sat, 22 Sep 2018 22:19:18 +0200 Joomla! - Open Source Content Management es-es A PROPÓSITO DE N. EPISODIO PRIMERO. http://www.scifiworld.es/tv/a-proposito-de-n-episodio-primero.html http://www.scifiworld.es/tv/a-proposito-de-n-episodio-primero.html A PROPÓSITO DE N. EPISODIO PRIMERO.

Es un lugar donde algo significante, misterioso y oscuro ha pasado y se ha transformado en una especie de camposanto mítico donde un joven príncipe o rey fue asesinado.

                                                                                                 Josiah “Tink” Thompson.

Palabras dichas por el periodista, exprofesor e incluso detective privado, a un Errol Morris en su cortometraje acerca de JFK (November 22, 1963). Así es como describía el lugar del magnicidio, Dealey Plaza (Dallas), y así es como me gustaría describir este espacio a propósito de Netflix. Un lugar simbólico, oculto y tenebroso capaz de albergar en su geografía hechos, cuanto menos, interesantes. Por lo tanto, éste no será un santuario para vellocinos de oro, ni tampoco un altar para adorar a la compañía norteamericana. No, pero lo que es indudable es su trabajo realizado hasta ahora. Uno donde pareciera que la heterodoxia se ejercita desde muy diversos ámbitos, y no estoy hablando de sus series, sino que hablaré de sus películas, cuyas formas “a la contra”, por irónico que parezca, se han convertido en un sello tentacular  extensible a diversos ecosistemas creativos. El entrecomillado es deliberadamente premeditado como locución adverbial demostrativa de  la gestación de un “huevo de la serpiente” en el sistema. Regresando al currículum, ¿quién lo iba a decir? La bola de nieve empezó a rodaren 1997, cuando Reed Hasting olvidó devolver una película a su videoclub. Lo penalizaron con una multa de cuarenta dólares por el retraso. Esto generó rabia al principio pero también alumbró la idea de la creación de una empresa, lo que siguió después ya es historia. Él y su colega, Marc Randolph, fundaron una empresa de películas de alquiler por demanda por internet. Luego vendría el 2007 con la tecnología binaria, añadiéndole un plus a su servicio, la inmediatez. Por si no fuera poco, creó además un algoritmo de sugerencias para su página web, un sistema que analizaba el comportamiento y gustos del cliente con el objetivo de contestar a una pregunta sencilla: ¿qué haces con tu tiempo libre? La respuesta descansa en el hecho incuestionable de que nos encontramos ante una evolución del entretenimiento, donde Netflix juega un papel preponderante ejerciendo su control. Primero apostó por un nuevo formato doméstico (dvd) y después por una técnica digital de contenido multimedia (streaming) descubriendo un nuevo camino de posibilidades. En este primer episodio hablaremos de una película “intranquila” que no deja resquicio al espectador, ubicándolo en una encrucijada estética: o te gusta o la odias, Aniquilación (2018). Después seguiremos con una gozada, sin más, Okja (2017). Ejemplos de discrepancia formal, para nada radical, que transitan hacia una disconformidad contestataria a través de un diálogo entre la forma y el fondo.  Pues eso, aprovechemos que el Pisuerga pasa por Valladolid entonces.

                                                       Aniquilación 5

 Aniquilación o el cuestionamiento del statu quo, cinematográfico.

…y cuando contemplas la belleza de la desolación, algo cambia en tu interior. La desolación intenta colonizarte.”

                                                                                                               Jeff Vandermeer.

Hoy no se podría estrenar comercialmente una película como ésta, de hecho solamente se ha podido realizar en territorio USA. Bien, eso podría demostrar una cosa sobre todo por estos lares: la involución de la exhibición y distribución cinematográfica. Pero nos equivocamos desde el principio. Y es que Netflix entró en la producción de la película tarde pero en su justo momento, ya que algunos ejecutivos de Paramount, concretamente David Ellison, productor ejecutivo vinculado con Skydance, quería hacer cambios sustanciales en algunos personajes a lo que el equipo creativo del film encabezado por su director, Alex Garland, y el segundo productor ejecutivo, Scott Rudin se negaron. Pues bien, Paramount encontró una solución, Netflix entraría en la distribución realizándola en streaming a nivel internacional y de esta manera sufragar los 55 millones de dólares del presupuesto total de producción. Así, el resto del mundo se perdería la ficción en pantalla grande pero, sin embargo, ganaría la versión inalterada de su director, en otro tipo de  pantallas. 

La aclaración nos puede a ayudar a desarrollar el tema del artículo, que no es otro que hablar de la forma más que del fondo de una historia. Yo mismo en la génesis de la elaboración del texto, no era consciente de este dato y si me hubiese mantenido ajeno al mismo podría haber seguido hablando de lo mal que está la distribución comercial y podría haber dicho que hace unas décadas, podríamos haber visto en nuestras pantallas todo tipo de ficciones pero encontrar un 2001, Una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968) o un Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979) hoy día sería imposible. La gran tragedia de nuestro tiempo es que no existe alternativa a Star Wars. Entonces habría que buscar otra estrategia, y claro está, eso pasaría por la oferta de Netflix. De esta manera este argumento encumbraría a la plataforma de VOD estadounidense como garante de la creatividad auspiciándola casi al olimpo del arte. Pero seamos sinceros, las cosas ocurrieron de otra manera y aunque Netflix nos haya dada la oportunidad de ser testigos de una película interesante, no se ha hecho por amor al arte, sino por un interés determinado: algunos gurús necios aventuraban que el estreno del film hubiese sido un fracaso estrepitoso, ya que la consideraban demasiado intelectual y que la mejor manera de recuperar lo invertido, sería su distribución en el servicio bajo demanda. De alguna manera Aniquilación nos dicta el sentido de la ficción en nuestro presente. Nos posiciona sobre la mesa el statu quo del séptimo arte y lo hace magistralmente, sin enterarnos, trabajando desde la sombra. Primeramente el thriller envuelve el relato de la bióloga Lena (Natalie Portman) que espera a su marido, el sargento Kane (Oscar Isaac), desaparecido hace un año. La ausencia en sí es un concepto que alimenta el suspense hasta que el Ulises regresa a su Ítaca particular (la secuencia en la que lo hace es demoledoramente aséptica en su contenido pero terriblemente interesante en su técnica, como descubriremos).

                     Aniquilación

 Después, como si formásemos parte de ese pelotón adentrándose a una “terra incognita”, el género va mutando a uno de ciencia ficción (una vez que cruzamos el umbral de la zona protegida llamada Resplandor en el film y Área X en la novela) y fantástico (con la presencia de la sempiterna figura del monstruo). E incluso podríamos decir que en algunos momentos, apoyándose en la banda sonora de la película, estamos rozando el experimental al gusto de un Ligeti. Esta variedad genérica podría responder al contexto de la creación fílmica, esto es, a una cierta postmodernidad en su diégesis pero si observamos con detenimiento, nos podremos dar cuenta del discurso formal. Para llevar a cabo semejante empresa se necesita solamente tener una cosa en mente: desafiar al espectador. Aniquilación, si bien no es un ejemplo de desubicación narrativa constante (cosa que sí que puede llegar a serlo su inspiración literaria de Jeff Vandermeer), sí que lo es a  ráfagas. ¿Y cómo se consigue? Apoyándose en varios elementos, que de alguna forma, lo confronta con el estado de las cosas cinematográficas actuales. Cuando se altera ese statu quo, aparece el estado de agitación, la conmoción que es de lo que trata, entre otras muchas cosas más, la película y la novela: de la naturaleza del cambio, del desequilibrio en definitiva. Y quien primero lo sufre en la historia son sus actantes. Casi todos en su jerarquía (ya sean incluso episódicos) se muestran apáticos, desanimados. Se encuentran vaciados por dentro, parecieran seres consumidos (la bióloga Lane), obnubilados (la paramédica Anya, Gina Rodríguez) o sin motivación alguna (la psicóloga Ventress, Jennifer Jason Leigh). En definitiva serían personajes heridos, que en algunos de los casos, deambulan por la trama parasitándola y ejerciendo de agentes extraños. Ante semejante construcción dramática, el proceso de identificación de la heroína no se produce. Por lo tanto es muy difícil que se cree el vínculo emocional entre el personaje y el narratario. El cordón umbilical entre ambos está cercenado. Esto nos haría recordar a personajes de otras ficciones ya citadas como al astronauta Bowman de 2001 o al escritor Pisatel de Stalker. Existen focos de esperanza en personajes ubicados al margen, secundarios, como el de la física Radek (Tessa Thompson) pero en seguida se desvanece cualquier tipo de apoyatura emocional. En un momento del film llega a decir a Lena que la doctora Ventress quiere afrontar el Resplandor, y que Lena quiere luchar contra él. Y ella dice que no opta por ninguna de las dos opciones. Después desaparecerá, engullida por la metamorfoseante naturaleza del pueblo donde se encuentran. Frente a la aniquilación existen dos opciones: no asumirla, ser lo suficientemente necio para no valorarla, o la asunción de la misma. Jossie Radek parece no mojarse, pero es el único actante que elige y asume su final, cosquilleándose su brazo por donde están sobresaliendo ramitas. Aniquilación en su tercera acepción gramatical significa hacer perder el ánimo. No cabe duda que los personajes de la ficción son unos desanimados y su única esperanza radica en la regeneración de otro cuerpo, otro sistema y para que el proceso tenga éxito hace falta solamente una cosa, morir en un lado y en el otro, creando algo completamente distinto de ambas cenizas.

                     Aniquilación 2

Otro elemento desestabilizador tendría una característica conceptual, se trataría de realizar un viaje al otro lado. Tendríamos que disfrazarnos de Alicia y atravesar el portal “brechtiniano”. Nos encontraríamos con la consciencia misma de ser testigos de una ficción, de la edificación de una mentira. En definitiva ser consecuentes con la presencia de la cámara. Es curiosa la importancia que tiene el hecho durante toda la historia, ya que en la novela no existe. Varias veces aparece la presencia del objeto como estructura elíptica de la explicación de lo que vemos, simple y llanamente, mirándolo, siendo partícipes del propio plano. La posición de la cámara es vital para entender la información suministrada. Hablaré de una secuencia anodina en su contenido pero valiosa en su forma porque lo que nos llega a decir es que en la cotidianidad es donde reside la extrañeza (eso lo representa a la perfección David Lynch en sus obras). Y esto se realiza, no generando frustración sino curiosidad, pero una malsana auspiciada por el suspense. El sargento Kane regresa a casa. La primera reacción de Lena es la de la desconfianza de aquello que está viendo, su rostro pareciera que ha visto un fantasma en vez de a su marido. De alguna manera está cuestionando su incertidumbre de realidad pero inmediatamente, se abalanza sobre él abrazándolo, quiere creer lo que está viendo y sintiendo, presentándose ante el espectador quizás el único momento que vemos de la protagonista expresar sus emociones. Pero será un espejismo porque la conversación que tienen en la cocina, volverá a ubicarla en una posición de desconcierto y duda, de una sobriedad emocional aplastante. Ella, de pie demanda una explicación que no llega por parte de su compañero, sentado, casi amnésico al interrogatorio. Se sientan enfrentados en la mesa, uno a cada lado del otro. Lo lógico de la gramática clásico de la puesta en escena sería utilizar el plano/contraplano, que es utilizado, pero sorprende la utilización de un plano general, alejado, parapetado, en un pasillo tenue que muestra a Kane solo. Su cuerpo aparece como cercenado, la mitad se encuentra ubicada en un tenso fuera de campo, dando un fuerte protagonismo al vacío existente. Unos segundos después, Lena ocupará ese vacío inquiriendo más información acerca de dónde ha estado. La construcción de un malestar dentro de la narración propone el principio de su desestabilización.

                      Aniquilación 4

 Y esto nos llevaría a un tercer elemento del que ya hemos avanzado algo con la explicación de la secuencia, es decir, la dosificación de la información. La historia empieza por el final y la labor del montaje es fundamental. Lena es una superviviente encarcelada en una habitación, sujeta a una férrea interpelación. A partir de ese momento iremos yendo y viniendo a medida que se vaya graduando el interés de lo que está narrando. A través de flashbacks veremos “su historia”. La utilización de carteles con los títulos de las partes de la narración, a modo de capítulos, da a entender la existencia de la manipulación, ya no sólo por parte de los creadores de la historia, sino quizás por parte de la propia protagonista. Los recuerdos serán importantes para poder desarrollarlos con precisión y eficacia, pero ¿son reales? ¿Eso fue lo que pasó realmente? La incertidumbre será el otro protagonista de la trama. Aniquilación como obra interesante en el panorama “cinematográfico” actual, cuestiona su statu quo y lo hace confeccionando preguntas sin saber muy bien la respuesta. ¿Qué significa ser humano? ¿Y qué significa confrontarse con lo desconocido? 

Con eso como punto de partida, empecé a concebir un relato para el farero, […]. Resultaba difícil, porque no sabía nada de su vida, no contaba con ningún indicador que me permitiera imaginármelo.

                                                                                                                                           Jeff Vandermeer.

                                                         okja 3

 Okja y la asunción de una responsabilidad.

Aprendo cada día, cada hora pero ¿cómo se aprende? Dejándose sorprender. Haciendo ver que dónde estaba el prejuicio llegue el juicio.

                                                                                                          Antonio Escohotado.

Siempre estoy aprendiendo con las películas de Bong Joon Ho porque siempre acaban sorprendiéndome. Es cierto que el director surcoreano juega constantemente con el espectador, pero aun así, lo hace de una manera tan maravillosa que no eres consciente hasta que el efecto ha sido escenificado. Utiliza una herramienta narrativa fundamental que se aúna con otra visual y ambas, se conglomeran para crear la puesta en escena sublime. La posición de la cámara se alía con el guion, o quizás con el storyboard técnico, y se produce el milagro: el plano secuencia. El director usa el montaje pero el misterio de sus películas siempre sucede en el plano virgen, aquel que no está montado sobre otros. Aquel que refleja la causa y el efecto al mismo tiempo y no hay que esperar a la cesura para dar continuidad narrativa. Con esto no quiero decir que Bong Joon Ho reniegue del montaje, todo lo contrario, además creo que lo hace también magistralmente. En Okja tenemos la secuencia del accidente al comienzo del relato, cuando nos encontramos en plena presentación de los actantes que demuestra su valía. Lo que quiero decir es que en la elaboración del plano secuencia se encuentra la operación primordial de su trabajo: el énfasis utilizado. Alexandre MacKendrick dijo una vez que lo que un cineasta dirige realmente es la atención de la audiencia, por tanto podríamos rubricar lo que Tony Zhou dice en su serie de mini documentales sobre la estética fílmica (Every Frame a Painting): “dirigir es una cuestión de énfasis. Uno enfatiza lo que es importante al desenfatizar lo que no es tanto.” Concluiríamos entonces que el subjetivismo sería esencial en la construcción cinematográfica y que a través de herramientas como el plano secuencia, trabajada por tantos y tan grandes directores de todo el mundo, podríamos enseñar pero también ocultar un mundo al espectador.

En la mostración y encubrimiento de la información se encuentra la riqueza del director surcoreano. Su filmografía da fehacientes pruebas de ello. (Memories of Murder o The Host). En Okja, esa herramienta está más depurada y parece en menor medida que en otras ficciones de su autor, pero eso no quita que el efecto que vaya a conseguir haya mutado de otra manera. Tenemos una conversación entre Maji (Seohyun An) y su compañera (me niego a describirla como mascota) al principio de la historia, la cual desconocemos porque no podemos oírla (desaparece medio rostro de la protagonista debajo de una de las orejas de Okja)  y termina con otra, está vez de la compañera a Maji, de la que tampoco somos participes. Existe algo que solamente pertenece al ámbito privado de esos dos personajes. Algo quizás por lo que ha valido la pena luchar. Desde el rapto del animal hasta la persecución por Seúl, llegando hasta la batalla campal en las calles de New York y finalizando en ese campo de concentración cárnico, lo que se ha puesto a prueba ha sido la fuerza de voluntad de Maji ¿Cómo se construye? ¿Cuál es su motor? El director nos puede haber dado la clave, nada más empezar la película, en esa conversación con ese plano del ojo de Okja ampliando su pupila a medida que escucha a Maji susurrarla algo.

                     Okja 1

 Además de existir una complicidad notoria, observamos un hecho fantástico, quizás por la química, el animal además de escuchar parece sentir algo con ese sutil gesto. Más adelante también volverá a repetirse conductas humanas sobre el animal en el desfiladero con Maji. Por tanto estaríamos ante una alianza entre los dos personajes y el rescate de Okja, es llevado bajo el paroxismo de la amistad alimentando una cierta testarudez en la heroína que la otorga la fuerza para seguir adelante, no importando el desafío, es más cuanto mayor es, más conecta con el deseo de superarlo. Podríamos ubicar una escala de proporciones, empezando por lo pequeño, la superficie de cristal que la impide pasar al otro lado, en la sucursal de Mirando en Seúl, a algo más grande,  cuando corre en pos del camión que lleva a Okja llegando a encaramarse al vehículo y evitando la altura de los sucesivos túneles por lo que va introduciéndose. A cada paso mayor peligro. El tamaño sí que importa. El tamaño de Okja en su presentación nos habla de lo grande que es pero también, paradójicamente, de lo débil que es, cuando se resbala por el riachuelo. No cabe duda que el director empieza a establecer vínculos con el espectador, construyéndole su afinidad con el personaje. Pero quizás en su contrario podamos comprender mejor de que se sustenta la lucha de Maji. Y es que en la película existen más ejemplos de lucha, como aquellos que fracasan estrepitosamente. Le pasa al grupo de defensa animal compuesto por idealistas, que se pasan haciendo lo que consideran correcto y después acaban realizando su contrario. Quieren rescatar a Okja de las fauces de Mirando para después entregársela en bandeja a la misma corporación. Maji es engañada por uno de sus integrantes. Y la secuencia en la factoría donde Okja es forzada por un macho de su misma especie es demoledora al respecto. Mientras lo ven, no dejan de observar sus propios errores, unos que volverán a repetir una y otra vez. Pareciese que estuviésemos ante unos hijos de papá, atolondrados, que ven todo desde la confortabilidad del otro lado. Y aunque reciben de lo suyo cada uno, pareciese más un castigo recibido por su inoperancia ante los hechos. Al final Okja acaba prisionera gracias a sus salvadores. Es una lucha innecesaria, absurda (intentan por todos los medios no utilizar la violencia en sus “perfomances”), está vacía de contenido y no tiene ningún sentido. La música de Jaeil Jung nos aporta más claves al respecto. La presentación de este destartalado grupo aparece junto a fanfarrias de trompetas como si el circo hubiese hecho acto de presencia en la trama. ¡Señores y señoras con todos ustedes…! Lo absurdo catapulta al relato al desconcierto. El grupo pacifista intentando secuestrar a Okja, y enfrentándose con la policía con paraguas de colores, ejemplifica muy bien la incoherencia del enfrentamiento pero también nos habla del acto irreflexivo del grupo, frente a la férrea decisión de la construcción de una responsabilidad por parte de Maji en su tarea de regresar con Okja a las montañas. Regresamos al maestro Escohotado cuando le preguntaron que qué les diría a los jóvenes de ahora: “Que se las arreglen como puedan. La libertad reclama que cada cual se la juegue. Que piensen por sí mismos. Asumamos responsabilidad plena y completa por nuestras acciones y nuestras ideas.” Todo eso lo podría representar Maji, ¿por qué no el grupo de defensa animal?

                      Okja 2

 

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Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) TV/VOD Fri, 21 Sep 2018 22:33:08 +0200
Predator http://www.scifiworld.es/reviews/predator.html http://www.scifiworld.es/reviews/predator.html Predator

Predator Returns

Incluso sin haber vivido la gloriosa época del estreno de la cinta original de John McTiernan y otras más entre las que se podría encontrar Monster Squad, cualquier semi-cinéfilo que se precie (aunque sea de baratillo, como yo) debería conocer al tándem Black-Dekker y de lo que estos cineastas son capaces de hacer. Pese a los años inactivo de Dekker como guionista, su carrera hasta los 90's no tiene discusión y el señor Black ya había demostrado que tras la cámara sabe lo que hace, que lo único que viene necesitando es justamente eso, un libreto con el que se sienta cómodo. Y ellos dos han sido las cabezas visibles y máximos responsables en traernos de vuelta una de las sagas con más fans de los 80's. Y era justo eso lo que necesitaba esta nueva incursión en este universo, más aroma de esta década, que le faltaba tal vez en exceso a la cinta de 2010 Predators de Nimród Antal. No es que sea un defensor total de la película producida por Robert Rodríguez, pero sí que no estoy a favor del sinfín de palos que recibió en su día. 

Volviendo a la nueva entrega predator de Shane Black, esta nos cuenta como ahora, los cazadores más letales del universo son más fuertes, más inteligentes y más mortales que nunca, y se han mejorado genéticamente con ADN de otras especies. Cuando un niño accidentalmente desencadena su regreso a la Tierra, solo un grupo de ex-soldados y una profesora de ciencias podrán evitar, quizá el fin de la raza humana... 

Como adelantaba ya en la génesis del texto, la cinta desprende, sabe y rezuma aroma ochentero desde el inicio hasta el final. Pero del de verdad, el que se refiere a unión entre secuencias, desenlaces de las mismas (de las de acción, sobre todo), vertiginoso avance de los acontecimientos o un crisol de personajes políticamente incorrectos que recita sus diálogos solo para ir avanzando de acto en acto y darle mayor protagonismo al desarrollo de las actividades que estos llevan a cabo. Nada de manchar la imagen para simular un rodaje con negativo, ni ensuciar el sonido, ni zooms muy locos en la realización. Aquí hay más años ochenta que en todos los retro-slashers o retro-adventures que llevamos viendo en los últimos años. The House of the Devil o Kung Fury serían solo un par de ejemplos.

Hay destacar, además, que la película, es toda ella una coña, hablando mal y pronto. Pero siendo sincero, con el material del que se disponía, los responsables de realización y tras haber visto ya incontables intentos de revivir una franquicia mediante un método más catedrático, el nuevo estilo del "universo depredador" me parece un acierto total y absoluto. El tono de humor no se abandona en prácticamente ningún momento del film y queda perfectamente aliñado con una acción brutal perfectamente rodada, unos efectos especiales sobradamente trabajados y unos toques gore que, aun así, no están a la altura de la locura de los protagonistas. Si el Suicide Squad de David Ayer se hubiera acercado solo un poco a esta brigada militar con estrés postraumático a DC ahora mismo le iría muchísimo mejor.

Otro de los grandes aciertos de Black, es que actualiza una serie de elementos que funcionaron a la perfección en la cinta original y los entrelaza de maravilla con otros componentes con relación más directa con la época actual, así las persecuciones y ataques alienígenas siguen siendo puntos fuertes dentro de la narración, pero también el nuevo uso de la tecnología y sus consecuencias. 

En lo relacionado al equipo artístico Boyd Holbrook y Olivia Munn llevan todo el peso del cast de forma eficiente, principalmente el primero. Y mentar también como no al resto de intérpretes, donde llama la atención sobremanera un Thomas Jane totalmente desquiciado, y que protagoniza una de las mejores secuencias de la película. Todos llevan a cabo un trabajo concorde con el resto de aspectos de la cinta, lo que la convierte casi casi en una parodia de su propio mundo, pero que es autoconsciente, sabe lo que es y lo que no es en todo momento y se siente a gusto con ello, creando un terreno propicio para el tipo de producción que se nos plantea desde el comienzo. 

En resumidas cuentas, entretenimiento puro, duro y no vacío, ya que, aunque cueste creerlo, tras la trama y la parodia existe incluso una reflexión social que afecta a varios colectivos y ámbitos de la vida moderna.

  • Predator
  • Depredador
  • Shane Black
  • Fred Dekker
  • Olivia Munn
  • Boyd Holbrook
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    ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Sun, 16 Sep 2018 20:19:48 +0200
    La saga "Depredador" en TRECE http://www.scifiworld.es/tv/la-saga-depredador-en-trece.html http://www.scifiworld.es/tv/la-saga-depredador-en-trece.html La saga

    Coincidiendo con el estreno de la nueva entrega, TRECE  este fin de semana las tres películas de la saga original.

    Los amantes de la ciencia ficción tienen este fin de semana una cita en TRECE con la emisión de las tres películas que conforman la saga original de “Depredador”. “Depredador” (sábado, 22.15H), “Depredador 2” (sábado, 00.00H) y “Predators”, (domingo, 22.15H).

    Coincidiendo con el estreno de la última entrega protagonizada por Boyd Holbrook y Olivia Munn, TRECE rinde homenaje a todos los seguidores del temido extraterrestre y ofrece completa una saga que sigue atrayendo a millones de espectadores y que han protagonizado Arnold Schwarzenegger, Danny Glover y Adrien Brody, entre otros.

    Esta saga atesora varias anécdotas como que los directores añadieron hojas falsas a la selva mexicana para dar mayor sensación de agobio, que intentaban buscar planos muy cerrados con la inmensidad de la selva detrás para que se sintiera que el monstruo podía atacar desde cualquier punto, y que Jean Claude Vam Damme fue el primer actor en vestir el traje original de “Depredador”, pero finalmente abandonó el proyecto por desavenencias con el mismo.

    Depredador (Sábado, 22.15H)

    En “Depredador” nos encontramos con un comando de mercenarios contratados por la CIA que ha sido enviado a la selva para rescatar a unos pilotos apresados por la guerrilla. Cuando están regresando de la misión descubren que se enfrentan a algo misterioso que les está dando caza uno a uno. Arnold Schwarzenegger es el encargado de enfrentarse a este desconocido y misterioso enemigo que resulta ser un alienígena que atesora las calaveras de sus víctimas como trofeo.

    Depredador 2 (Sábado, 00H)

    En la secuela protagonizada por Danny Glover la acción cambia de escenario y la aterradora criatura se traslada de la selva a la ciudad de Los Ángeles.

    Predators (Domingo, 22.15H)

    Más lejos llega esta tercera parte. De hecho, la acción se traslada a otro planeta al que es enviado un comando formado por asesinos a sueldo, yakuzas, presidiarios, etc. Royce (Adrien Brody), mercenario, es el cabecilla de este grupo que terminará comprendiendo que han sido enviados a un planeta lejano para servir de presa.

     

     

    • Depredador
    • Predator
    • The Predator
    • Trece
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      ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) TV/VOD Thu, 13 Sep 2018 21:41:04 +0200
      M. Night Shyamalan visitará Sitges 2018 http://www.scifiworld.es/home/m-night-shyamalan-visitara-sitges-2018.html http://www.scifiworld.es/home/m-night-shyamalan-visitara-sitges-2018.html M. Night Shyamalan visitará Sitges 2018

      El director recibirá un Gran Premio Honorífico

      El director indio-estadounidense M. Night Shyamalan visitará Sitges para presentar un avance de su esperada nueva película Glass. Shyamalan ha destacado por una carrera vinculada siempre al género fantástico con títulos imprescindibles como El sexto sentido (1999), El protegido (2000), Señales (2002) o Múltiple (2016).

      ‘HALLOWEEN’, ‘APOSTLE’ Y ‘OVERLORD’, TRES DE LAS NOVEDADES DE LA SECCIÓN OFICIAL DEL FESTIVAL.

      Hace ya 40 años que Laurie Strode –interpretada por una espléndida Jamie Lee Curtis– se salvaba del psicópata Michael Myers en la mítica La noche de Halloween. Durante este tiempo ha estado fantaseando con la venganza perfecta para el asesino recluido en un centro de detención. Este año, uno y otra son los protagonistas del reboot de la saga realizado por David Gordon Green, Halloween (La noche de Halloween), que tiene como productores ejecutivos a la actriz Jamie Lee Curtis y al maestro del terror John Carpenter. Halloween podrá verse en la S. O. fuera de concurso.

      Otro de los títulos destacados de la Sección Oficial a competición está dirigido por un viejo conocido del Festival, el director galés residente en Indonesia Gareth Evans. El realizador, que revolucionó el género de acción con The Raid, presentará la producción de Netflix Apostle, un thriller oscuro ambientado en el mundo de las sectas en la Inglaterra de principios del siglo XX.

      Overlord es otra de las propuestas estrella de Sitges 2018. La película, producida por Bad Robot, la compañía de J.J. Abrams, ha sido dirigida por Julius Avery y se proyectará fuera de competición. La cinta retrata la vigilia del día D, momento en que un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis donde les aguarda un laboratorio de lo más terrorífico.

      En la Sección Oficial también competirá una de las películas más polémicas de la temporada. Ambientada en la ciudad de Salem, Assassination Nation sigue las peripecias de cuatro chicas acusadas de robo y perseguidas como si se trataran de las brujas de nuestro tiempo. Y del thriller a la ciencia ficción, y por partida doble. Por un lado, en Aniara, película basada en el bestseller homónimo de Harry Martinson, se narra una odisea por el espacio de una tripulación con destino a Marte; por otro lado, la película australiana Upgrade, dirigida por otro conocido del Festival, Leigh Whannell, –que presentó el segundo capítulo de la serie Insidious–, y este año regresa con un film futurista en el que un pequeño chip es capaz de crear a un superhombre que vengará la muerte de su esposa. Ambas películas estarán presentes en Sitges 2018 en las secciones Fantàstic Discovery y Competición respectivamente.

      Los elementos del folclore y del western se encuentran fundidos en The Wind, la opera prima de la realizadora estadounidense Emma Tammi, que podrá verse en la sección Discovery del Festival. También repleta de elementos mitológicos y en este caso de cuentos de la cultura india, competirá en S.O. la cinta Tumbbad, dirigida por Rahi Anil Barve y Adesh Prasad. La película, que abrió la Semana de la Crítica en Venecia, es un cuento terrorífico donde la búsqueda de un tesoro escondido en el interior de una mansión llevará al horror extremo. Otro de los habituales de la Sección Oficial es el director japonés Shinya Tsukamoto que, tras sumergirse en la II Guerra Mundial en su anterior film, regresa ahora con Killing, donde explora el peso de la violencia en la época samurai.

      Fuera de competición, pero también dentro de la Sección Oficial, Sitges 2018 promete grandes títulos. Anon, el noir de ciencia ficción dirigido por Andrew Niccol; In Fabric y High Life de Peter Strickland y Claire Denis, respectivamente, con el terror y la ciencia ficción como premisas; las dos superproducciones fantásticas coreanas Along with the Gods: The Last 49 Days y Along with the Gods: The Two Worlds, que han sido vistas cada una de ellas por 14 millones de espectadores en su país, y para completar el cartel asiático de esta sección no faltará el director chino Tsui Hark que ofrecerá una nueva aventura fantástica, y ya van tres, en Detective Dee and the Four Heavenly Kings.

       

      ÓRBITA Y NOVES VISIONS: DOS SECCIONES CADA VEZ MÁS RELEVANTES

      El cine de acción y el thriller tienen desde hace unos años, en la Sección Órbita, un peso importante en el Festival. Un género, el thriller, que también está cobrando una mayor relevancia en el cine español, como así lo demostró Dani de la Torre con su opera prima, El desconocido. Este año en Sitges, en premiere mundial, el director gallego presenta su segundo trabajo La sombra de la ley. Ambientada en la España caótica y tensa de 1921, la película narra la investigación de un robo a un tren militar, en la que el policía Aníbal Uriarte tendrá que lidiar con sus compañeros corruptos, con el manipulador dueño de un cabaret y con sus propios sentimientos al conocer a una joven temperamental llamada Sara. La sombra de la ley está interpretada entre otros por Luis Tosar, Michelle Jenner y Vicente Romero. El director estadounidense S. Craig Zahler –el responsable de Bone Tomahawk y Brawl in Cell Block 99, ambas vistas en Sitges– promete llevar la tensión al máximo en Dragged Across Concrete, donde dos policías, suspendidos del cuerpo –Mel Gibson y Vince Vaughn–, deben ahondar en el inframundo criminal para obtener lo que les corresponde. Otro film importante llegará de Indonesia, y está dirigido por Timo Tjahjanto –director que también presenta película en la sección Midnight X-Treme, la terrorífica May the Devil Take You– The Night Comes for Us, protagonizada por Iko Uwais, cuenta la historia de un delincuente que se verá atrapado en medio de un conflicto de tríadas y que promete unas escenas de acción espectaculares. Además, en la sección podrán verse dos revisiones de films de culto. Por un lado, la producción china A Better Tomorrow 2018, una vibrante puesta al día de la obra maestra de John Woo, con la que el director Ding Sheng traslada a la China continental la acción del heroic bloodshed made in Hong Kong y, por otro lado, Believer, el remake coreano de la producción china Drug War del mítico Johnnie To.

      Siguiendo con la sección Órbita, el Festival proyectará American Animals de Bart Layton, el director británico de El impostor, uno de los documentales más destacados de los últimos años. Basada en un hecho real, el film narra la historia de dos muchachos de clase media inadaptados, que planean un robo en el instituto del colegio. También llegará la producción franco-belga A Bluebird in my Heart, de Jérémie Guez, la historia de un ex convicto que encuentra refugio en un motel dirigido por una madre soltera y su hija Clara. La paz y la libertad encontradas desaparecen cuando Clara es asaltada, lo que le obliga a enfrentar sus viejos demonios.

      Noves Visions ha creado un universo propio dentro del fantástico. La película inaugural de la sección será Ánimas, de Laura Alvea y José Ortuño: un viaje alucinatorio en el que la línea entre la realidad y la pesadilla se vuelve borrosa. Dentro de Noves Visions podrá verse el estilizado experimento pop Fonotune: An Electric Fairytale, una coproducción entre Alemania, Japón y Estados Unidos dirigida por el diseñador gráfico, guionista de cómics y director FINT. De Reino Unido llegará Beast, de Michael Pearce, que explora de forma poliédrica las aristas de una personalidad desequilibrada, con el músico Johnny Flynn en uno de los papeles protagonistas. También en esta sección estará la producción de Steven Soderbergh, Perf ect, que juega con elementos de ciencia ficción para mostrar al espectador la perfección más absoluta en implantes corporales.

      Sin duda, uno de los realizadores más interesantes que ha pasado por el Festival ha sido el canadiense Guy Maddin –ganador del certamen con Dracula: Pages from a Virgin's Diary–, cuya The Green Fog pretende ser una relectura de Vértigo de Alfred Hitchcock. El realizador reconstruye las escenas de la mítica cinta a través de secuencias y planos de otras películas que acontecen en las mismas localizaciones.

       

      ANIMA’T SE REFUERZA Y SERIAL SITGES ANUNCIA GRANDES EVENTOS

      La Sección Anima’t llega cargada de grandes maestros. Inspirándose en el gran clásico de la literatura persa El libro de los reyes, podrá verse la película iraní The Last Fiction, llamada a convertirse en uno de los clásicos animados de su país. El creador francés Michel Ocelot dirige Dilili à Paris, un viaje misterioso, cultural y maravilloso el que realiza la niña Dilili en las calles de París. Varios son los títulos procedentes de la cinematografía japonesa que se proyectarán en esta sección del Festival. Entre ellos destaca I Want to Eat your Pancreas, que ha pasado de novela a película de imagen real, para acabar convirtiéndose en un anime producido por el Studio VOLN. Una película que va a emocionar al espectador de Sitges. No podía faltar la nueva producción del realizador Mamoru Hosoda, Mirai, nuestra hermana pequeña, film más infantil que El niño y la bestia, pero que contiene treinta minutos finales donde explota la fantasía. Atención también a Penguin Highway, la última película producida por el Studio Colorido que ha llegado a la cartelera japonesa con excelentes críticas. También podrá verse en Sitges 2018 la película de animación japonesa más taquillera del año, Detective Conan: Zero Enforcer; y un evento muy especial, la proyección de Mi vecino Totoro, del maestro Hayao Miyazaki en el año que se cumple el 30 aniversario de su estreno.

      Como ya es habitual en los últimos años, el Festival mostrará en su sección Serial Sitges nuevas producciones televisivas de género fantástico. Entre ellas destaca la proyección exclusiva del primer episodio de la novena temporada de The Walking Dead. El evento, que coincidirá en día y hora con el estreno de la serie en FOX, el lunes 8 de octubre, contará con un maestro de ceremonias de excepción, el creador de efectos especiales, productor y actor Greg Nicotero, quien compartirá una charla con el público asistente a la sesión. Nicotero recibió el premio Màquina del Temps en Sitges 2005 de manos de Quentin Tarantino y Eli Roth.

      Por su parte, la plataforma Netflix presentará dos de sus nuevas producciones: el primer episodio de Las escalofriantes aventuras de Sabrina y los dos primeros episodios de La maldición de Hill House, en un evento especial.

       

      PANORAMA Y MIDNIGHT X-TREME: TERRITORIOS DEL TERROR

      Más de una treintena de títulos conforman la Sección Panorama Fantàstic y Panorama Documenta. Magos, magia negra, muertos vivientes, psicópatas, todos estos personajes y muchos más forman parte indispensable del terror más visceral que podrá verse en Sitges 2018. De la argentina Luciferina, donde su director Gonzalo Calzada explora el universo diabólico, a la japonesa Kasane: Beauty and Fate, una de las sorpresas del año, basada en el manga de Daruma Matsuura, en la que un pacto por la belleza trae funestas consecuencias. Entre los documentales que traerá la sección Panorama, destaca Beyond Blood, de Masato Kobayashi, que analiza la nueva hornada de realizadores que a principios del nuevo milenio revolucionaron el cine de género en Francia con películas, ya de culto, como Alta tensión, À l’intérieur, Frontière(s) o Martyrs.

      En la cada vez más popular Midnight X-Treme, tres títulos a destacar entre la quincena de películas que componen la sección: en Open 24 Hours, producción inglesa dirigida por Padrag Reynolds, Mary y su ex –un verdadero psicópata– sembrarán el caos en una gasolinera; con guion de S. Craig Zahler llegará a Sitges Puppet Master: The Littlest Reich, el reboot cómico y sanguinolento de la cinta de culto de Charles Band, que cuenta con apariciones estelares de Michael Paré, Udo Kier y Barbara Crampton, y también de Reino Unido se podrá ver en el Festival The Devil’s Doorway, de Aislinn Clarke: filmada al estilo found footage, la película se adentra en uno de los lugares más terroríficos de Irlanda, en una de las residencias de la cadena de asi los Magdalene Laundry, donde, durante años, la iglesia recluyó a “mujeres caídas”.

      • Sitges 2018
      • M Night Shyamalan
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        info@scifiworld.es (Scifiworld) Sitges Thu, 13 Sep 2018 18:19:50 +0200
        DISNEY. EL ARTE DE CONTAR HISTORIAS. UNA EXPOSICIÓN. http://www.scifiworld.es/home/disney-el-arte-de-contar-historias-una-exposicion.html http://www.scifiworld.es/home/disney-el-arte-de-contar-historias-una-exposicion.html DISNEY. EL ARTE DE CONTAR HISTORIAS. UNA EXPOSICIÓN.

        El arte es una mentira que nos hace comprender la verdad.

                                                                                             Albert Boadella.

        No viene mal citar al “joglar” y también convendría preguntarle entonces ¿qué es la verdad para él? Tengo que reconocer que me gusta el tipo porque creo que es uno sincero y no está de más oír “su” verdad, sobre todo en estos tiempos donde es tan fácil su antítesis y además, es de lo que más hablaremos en este artículo. De la creación del artificio. No existe mayor embuste que el cinematográfico pero es uno encantador. Conscientemente nos dejamos llevar en la oscuridad, rodeados de extraños, al mismo límite de nuestra imaginación y más allá, como diría un famoso juguete. Es curioso, si nos dijesen de caminar por un callejón oscuro con un par de extraños nos lo pensaríamos, sin embargo ir al cine es un encuentro social en la sombra. El precio de la entrada puede ser la clave. El negocio, su respuesta más pragmática alimentando las veinticuatro mentiras por segundo. Walt Disney también fue un maravilloso mentiroso además de otras cosas. Se ha dicho de todo y algunas veces auténticas barbaridades, pero basándome en libros como el de Don Peri y su serie de entrevistas Working with Walt (University Press of Mississippi) que llegó a la conclusión de que no había un Disney sino muchos; es más cada persona tenía su propio Disney, uno puede llegar a pensar que no existe mayor carga irónica que la duplicidad humana.

                            Disney 2

        He agradecido las palabras de la directora de la Walt Disney Animation Research Library, Mary Walsh, y comisariada de la exposición acerca del objetivo de la misma, ya que pensaba que quizás “El arte de contar historias” fuese otro homenaje más para alimentar la mayestática figura del creador, pero no. Puede que en algunos momentos roce la hagiografía, pero de lo que habla es de enseñar al mundo la idea del Storytelling: contar una buena historia y que sea vista por el mayor número de personas posibles. Aquí nos encontraríamos con una especie de encrucijada “pasoliniana” de elegir entre la biblioteca o el palacio. Por una parte tenemos la meta de relatar algo y por otra, hay que revertirlo económicamente para su producción y futuro disfrute. ¿Lo consiguió Disney? Por supuesto, pero no lo hizo solo. Solamente pudo obtenerlo con la consistencia de un grupo de personas que apostaron por una profesión (ya que en aquellos días no lo sentían de otra manera, había que ganarse el pan con el sudor de la frente y créanme, eran momentos difíciles los de la depresión estadounidense) y que con el paso del tiempo, se fue convirtiendo en un arte. No cabe duda que Disney y su compañía funcionaron como un faro que fue atrayendo a lo mejor de cada casa, pero es innegable que sin ese grupo humano no hubiese hecho lo que hizo, ni hubiese llegado a dónde llegó simplificando el discurso narrativo. Desde los integrantes del mítico “Old Nine Man” hasta otros de igual o mayor prestigio (y quizás menos conocidos) como Ub Iwerks, David Hand o Ben Sharpsteen, lograron que relatos, mitos, cuentos, se auto-germinasen transformándose en clásicos ellos mismos, llegando a realizar un ejercicio de retroalimentación narrativo, un verdadero palimpsesto animado. Desde Blancanieves hasta la princesa Elsa, pasando por bellas durmientes, infancias artúricas o sirenitas entrometidas. Cada historia, independientemente de su duración (fuese un cortometraje o largometraje), partía de la cultura popular para transformarse, ella misma, en una cultura popular propia. Es innegable que la exposición es otro hito en la carrera de Walt Disney pero también desentierra a sus colaboradores, sacándoles del anonimato para el neófito y posicionándolos en el sitio que les que corresponde justamente. Una de las claves de la exposición es su carácter de inmersión. La presencia de una alteridad no sólo espacial sino también temporal. Lo que vamos a ver y oír está estrechamente ligado al objetivo embaucador de sentirnos transportados.  La sección que nos da la bienvenida es aquella que nos habla de los mitos, de aquellas hazañas simbólicas de seres extraordinarios. Unir la fundación del estudio de animación de los años treinta con el mito es toda una declaración de principios. Con el paso del tiempo ambos conceptos se han fusionado. El trabajo de esas gentes se ha convertido por derecho propio en uno mitológico; donde antes se sentaban enfrentados a sus paneles, ahora son otros hombres y mujeres quienes son testigos de sus logros. El detalle de mimetizar el interior del estudio ubicando una serie de ventanas al lado de dichos paneles, nos hace confraternizar con aquellos artistas y la superposición de fotografías enmarcadas en el límite de esos marcos, nos hace tener una idea de lo que ellos podrían haber estado viendo en aquel momento. Imágenes de trabajadores, compañeros suyos que pasaban por ahí, o se encontraban sentados descansando de su tiempo libre, almorzando.

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        Ponerse a ras del panel y contemplar un dibujo final de la animación (mina de grafito y lápiz de color sobre papel) de la Diosa de la Primavera (1934) de Hamilton Luske y después alzar la vista, nos hace embarcarnos en un viaje mítico al origen de la creación artística y también a aquel tiempo de pioneros anónimos, que sonriendo a una cámara eran inconscientes de la magnitud del hecho. La cadencia del trabajo se resuelve cronológicamente y continuando con el trayecto, podremos ser testigos por ejemplo de la hoja de personaje (línea marrón, lápiz de color, mina de grafito y tinta sobre papel) del Rey Midas (1935) o bien de los dibujos finales de fondo (lápiz conté, mina de grafito y lápiz de color sobre papel) de la Sinfonía Pastoral incluida en la película Fantasía (1940) hasta llegar a los estudios para la dirección de arte (reproducciones del original con rotulador y tinta sobre papel) de Gerald Scarfe para el film Hércules (1997). Cómo iba funcionando la mente a cada dibujo contemplado y cómo, al mismo tiempo, se iba estableciendo una serie de concomitancias creativas entre dibujos mitológicos de Fantasía con la versión más moderna de Hércules. Cómo se unían para crear un feliz “totum revolotum” creativo donde la copia se fusionaba con el homenaje recorriendo el camino de una idea desde que nace en un tiempo y se desarrolla en otro, transformando el acto de animar en uno de fuerte  raigambre psicológica. Antes de abandonar la estancia por unas puertas, rigurosamente construidas con sus pegatinas originales del ratón Mickey o eso nos dijeron, no estaría de más ver un cortometraje típico de contenido extra de edición en bluray de la creación del primer largometraje de la casa. Simplón pero didácticamente resolutivo. Pasamos de la blancura del Olimpo al color rojizo del mundo de  la fábula, representada por la presencia de perfiles de casitas haciendo un claro homenaje a las pertenecientes a la de Los tres cerditos (1933). Llegados a este momento, me gustaría advertirles que eviten los días festivos, ya que una gran afluencia de público les destrozaría la exposición. Y más si quieren disfrutar de cortos como La Liebre y la Tortuga (1935) en su integridad o el del Sastrecillo Valiente (1938), en su versión digest. Hay que tener cuidado porque la experiencia puede verse mermada si les toca un grupo, y si encima es de marcada presencia infantil, ni les “cuento”. La anécdota fascinante fue que me tocó a un grupo de esos niños, rondando los diez u once años, que parecían aburrirse con los cortometrajes pero que me dejó un momento impagable: el rostro de un señor mayor disfrutando como un benjamín del momento. Repentinamente me vino a la cabeza la frase mítica de Disney, que decía que él hacía las películas para el niño que todo adulto lleva dentro. Pasando por entre las casas, podremos ver curiosidades como una carta de Eleanor Roosevelt a Walt Disney (fechada el 15 de Enero de 1934) donde le recomendaba que contase una historia de uno de sus cuentos favoritos de Heinrich Hoffman. Hasta qué punto, Disney empezaba a ser ya famoso. Y hasta qué punto su maravillosa insolencia transformando ese relato, que tanto gustaba a la primera dama norteamericana de la época, en un corto protagonizado por un pato que ya empezaba a hacer sombra al mismísimo ratón (Lo mejor de Donald, 1938). La interactividad también forma parte de esta exposición, una de las casas tiene una puerta por donde se puede pasar al otro lado, al lado maravilloso de la fantasía donde se puede disfrutar de la obra de Norman Ferguson, cuyos dibujos finales de la animación de Los Tres Cerditos (lápiz de color sobre papel) son prodigiosos.

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        La sensación de capturar el movimiento cuando el lobo feroz sopla y la casa de paja sale volando, es de una técnica magistral sobrecogedora. Mirándolos hoy, uno se queda epatado del nivel artístico que llegaron a alcanzar algunos artistas, sobre todo en época tan temprana. El siguiente color fue el verde que nos anunciaba el reino del bosque, y las copas de unos árboles conceptuales, nos avisaban de la proximidad al territorio de las leyendas. No es baladí limitar esta sección a una época histórica concreta, la Edad Media, donde la figura del bosque era fundamental en la vida de sus gentes. Todo giraba alrededor de ese espacio anárquico, misterioso y a veces abstracto. El bosque medieval representaba lo oculto y escondía lo enigmático frente a otros espacios donde se iba construyendo la civilización como pudieron ser el castillo o la villa.

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        Eso lo refleja muy bien Merlín el Encantador (1963) en su comienzo, cuando Grillo se aventura al interior de un bosque en busca de una flecha perdida y se topa con el cottage de Merlín.  Cito la película porque forma parte del material de esta sección y además, lo admito como ya lo hiciera Brad Bird, que es una de mis películas favoritas. Pasear entre estudios para la dirección de arte, fondos o dibujos finales de la animación realizados por maestros de la talla de Milt Kahl u Ollie Johnston, me hacían viajar a mi infancia, al mismo tiempo que recordaba como un simple gesto, una simpleza de movimiento, puede obtener un potencial tan realista. Existe en la exposición un dibujo de Grillo sentado en el trono, ya como rey Arturo que nos cuenta mucho con tan poco. La desproporción en las formas, un niño sentado en un trono de hombres, sujetando un gran cetro entre sus enclenques manos y una gran capa que cubre completamente su cuerpo e invade parte del suelo. No existe imagen más poderosa de la inseguridad y el desconcierto de la responsabilidad que aquella.

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        Y si bien es cierto que la película no se desarrolla íntegramente en un bosque, de la siguiente que vamos a hablar sí. Robin Hood (1973), auténtico asalto a mi adolescencia  que ahora intento trasladar a mi hijo. Ver un esbozo en tinta sobre papel hecho por el inigualable Ken Anderson de Robin y Little John corriendo alegremente perseguidos por un ejército de flechas, es el ejemplo paradigmático de cómo la acción muere sobre un momento fosilizado y renace a base de repetirlo una y otra vez, al pasar las páginas. Al ver ese momento, mágicamente oía la canción del bardo con forma de Gallo, que prologaba la ficción cantando la gesta de los hombres de Sherwood contra el príncipe Juan.

        El naranja, o más bien, su tono anaranjado anunciaban la siguiente etapa en nuestro viaje. Una donde el paisaje era el verdadero protagonista de la historia. Grandes praderas en la historia de Juanito Manzanas o desiertos pedregosos en la de Pecos Bill nos enseñaban los Tall Tales americanos de los que el estudio animado también se imbuyó. Estas dos historias formaban parte de aquellas películas construidas por cortometrajes y de las que Disney gustaba de hacer. En este caso contemplar los fondos y esbozos de Tiempo de melodía (1948) es una experiencia pictórica, donde la ficción más ridícula se transforma en leyenda “fordiana” y hay que imprimirla convirtiéndola en realidad. Observar estos dibujos nos hace confeccionar otra realidad, quizás hubo otro western, uno animado igual de valido que el de verdad. La grata sorpresa vino precisamente con un apunte a lo “verité” y fue, además, doble porque fue inesperada. Descubrí el cortometraje de John Henry (2000) en la exposición. Y fue como entrar en otro tipo de estructura dentro de la propia sección donde me ubicaba. Aquí lo preponderante era el concepto de “realidad” y el tratamiento de algo tan tenebroso como el racismo en los inicios del país. Existe un fondo de David Murray, sobre acetato y rotulador de unas vías ferroviarias, que me sobrecoge. No es un raíl recto, es uno en curva pero mirarlo durante unos segundos me habla de la gente que dejó su vida construyendo el futuro de otros. El esquema de color de Barry Kooser delata el tema de la historia, la sangre de unos hombres construyeron el futuro de un país, independientemente del color de su piel.

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        La última estancia nos devuelve a la confortabilidad de los cuentos de hadas y podría representar, perfectamente una coda de lo descrito anteriormente. En los “Fairy Tales” existen los bosques y el hecho de tener como materia prima a grandes cuentacuentos, de alguna manera lo involucra con el universo fabulador. También camina por los mitos, en cuanto que sus historias están cargadas de material simbólico, por lo tanto para cerrar este viaje y este artículo no vendría de más citar una frase de Walt Disney, que sintetiza el objetivo primordial de su compañía: “Honestamente pienso que el corazón de nuestra organización descansa en el departamento de guion. Tenemos que tener buenas historias.” Pues de eso se trataba, de contar una buena historia o el arte del Storytelling.

         

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        Proyectom05@hotmail.com (José Amador Pérez Andujar) Animación Tue, 11 Sep 2018 16:53:06 +0200
        La Monja http://www.scifiworld.es/reviews/la-monja.html http://www.scifiworld.es/reviews/la-monja.html La Monja

        Valak y sus cosas

        El "Universo Warren" continúa expandiéndose y para ello la nueva cinta de Corin Hardy encaja en el marco de sucesos que gira entorno a The Conjuring, Annabelle y sus protagonistas. Se trataría de los primeros eventos que, cronológicamente se desarrollarían dentro de este mundo. 

        En los años 50 cuando una joven monja en una abadía de clausura en Rumanía se suicida, un sacerdote con un pasado poseído y una novicia a punto de tomar sus votos son enviados por el Vaticano para investigar. Juntos descubren el profano secreto de la orden. Arriesgando no solo sus propias vidas sino su fe y hasta sus almas, se enfrentan a una fuerza maléfica en forma de monja demoníaca, en una abadía que se convierte en un campo de batalla de horror entre los vivos y los condenados.... 

        La Monja, Valak, ya había sido mostrada en la franquicia. Disfruta de una terrorífica secuencia en Expediente Warren: El Caso Enfield y de una inquietante aparición en Annabelle Creation. Hasta aquí el hype era medianamente alto ya que se trata de un personaje que se antoja atractivo y se espera terrorífico. 

        La película comienza a lo grande, con un prólogo potente de resolución brutal que hace que te esperes lo mejor del spin-off. Tras un claro ejemplo de como comenzar de forma eficiente un producto de terror todo va poco a poco yéndose al traste gracias en gran parte al personaje interpretado por el actor Jonas Bloquet y que es conocido como "Frenchie", que le aporta una dosis de humor al film en cada una de sus apariciones que no cuadra con el empaque restante de la película. Este tipo de gags tal vez cuadren más en cine de superhéroes, aunque aun así también tiene sus detractores. Aparte de esta fatalidad, el resto del guion tampoco ayuda, ya que se trata de un mix arquetipo de un buen puñado de cintas demoníacas ya vistas por gran parte de la audiencia de The Nun. Muy en especial es considerable la comparativa con la cinta de Xavier Gens The Crucifixion, con la que comparte un gran tanto por ciento de la trama y del halo que desprende la producción. Todo este desfase y decepción argumental no está para nada emparentado con la factura técnica y apartado visual de la película, ya que está perfectamente rodada y donde, además, las secuencias de terror están bastante trabajadas en cuanto a diseño de producción y muy bien resueltas casi todas, aunque claro, no escaparemos de los jump-scares para nada, todo lo contrario, tendremos un muy buen surtido de ellos en La Monja

        Dirige Corin Hardy, que dota a la película de una serie de elementos vistos en su hasta La Monja única y anterior película; The Hallows. Estos serían la sobreexposición de una oscuridad casi perpetua, episodios acontecidos en una mezcla de entrono rural y natural y un desarrollo de las acciones que transcurren en un corto lapso de tiempo (un día o dos). Aquí es donde el británico se encuentra más a gusto y da mas rienda suelta a su mano tras la cámara, ya que poco más puede hacer con el correoso guion que tiene entre manos.

        Las interpretaciones cumplen todas sin llegar a ser una maravilla y donde solo destaca, como era de esperar, una Taissa Farmiga (Final Girls) a la que le favorece bastante el hábito de novicia, dicho sea de paso.

        En resumidas cuentas, un collage argumental con buena realización que resulta medianamente entretenido siempre y cuando no seas muy exigente y cuando el humor abyecto no haga acto de presencia. Tal vez demasiados peros, ¿no? Valak termina siendo un demonio rutinario, cuyas apariciones eso sí, son destacables. Tanto las suyas como las de sus vástagos y demonios interiores de los personajes.

         

         

        • La Monja
        • The Nun
        • Corin Hardy
        • Taissa Farmiga
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          ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Mon, 10 Sep 2018 12:50:06 +0200
          Mamá y Papá http://www.scifiworld.es/reviews/mama-y-papa.html http://www.scifiworld.es/reviews/mama-y-papa.html Mamá y Papá

          Cage Devorando a sus hijos

          Está más que claro que en los últimos años la carrera de Nick Cage se ha visto envuelta en una serie de altibajos (más bajos que altos) que han desconcertado a los fans y que han inundado internet de un sinfín de memes y chistes con poquita gracia perpetrados por todo un ejército de haters cuñaos, a los que convendría recordar que el señor Cage es ganador de un Oscar por el film Living Las Vegas. Esta espiral de mediocridad en la que el bueno de Nicholas ha visto envuelta su filmografía parece poco a poco encauzarse, pero no ya a la carrera comercial y hollywoodiense de la que disfrutaba antes, sino siendo la piedra angular de una serie de cintas de autor o de un corte más indie a lo que nos tenía acostumbrados.

          Así este año le hemos podido disfrutar en cintas como Mandy, de Panos Cosmatos, en la cual se desata su furia durante la segunda parte del film dando lugar a todo un espectáculo ultragore o esta que hoy nos ocupa, donde une fuerzas con Selma Blair en el cast y con Brian Taylor en la dirección, ni más ni menos que el responsable de las dos entregas de Crank o de la secuela de Ghost Rider, donde ya trabajaron juntos director y actor.

          El punto de partida de la película es altamente interesante; una misteriosa epidemia en forma de locura masiva provoca que los padres ataquen violentamente a sus hijos hasta el punto de asesinarlos.

          Desde una perspectiva naturalista, esta trama no seria tan tan loca, ya sabéis que son muchas las madres, tanto en el reino mamífero como fuera de él, que se comen o matan a sus hijos de un día para otro. En otros casos son los padres los que cometen el filicidio. Pero los humanos, siempre y cuando el estado mental de los sujetos sea medianamente decente esta práctica es repulsiva cuanto menos. Y es justamente esta historia, este libreto, el que ha conseguido que volvamos a ver al Taylor de Crank, el que es capaz de trasladar a pantalla tanta enajenación exagerada y darle un sentido visual, casi desasosegante, que hace que la película resulte todo un caramelo. Y es aquí, además, donde mejor se encuentra el renacido Cage, junto a su pareja de baile en esta ocasión Selma Blair, entre una dirección esquizoide pero efectiva y un guion que aun sin tomártelo en serio al cien por cien, tiene gancho de sobra.

          A su vez todo sirve para llevar a cabo una sátira, muy estilizada dentro de toda la demencia que contiene el film, de la clásica familia feliz de suburbio americano, en la que cualquier mínima chispa haría saltar por los aires este esquema de unión y desestructurar todo en un abrir y cerrar de ojos, siempre desde un sutil punto de vista de humor negro.

          Sigue muy a rajatabla el cuadro tipo del film de zombis actual, incluso del film de semizombis actual, pero le da un inteligente giro mediante la comedia extrema que va a contracorriente de lo ya visto en este subgénero, lo que la convierte en una de las series B mas refrescantes y políticamente incorrectas del año.

          En resumidas cuentas, un entretenimiento gran guiñol para degustar con un hambre voraz de cine diferente, en el que la línea entre la exaltación y la carcajada sea casi inexistente. Recomendable.

          • Mama y papa
          • Mon and dad
          • Nicholas Cage
          • Brian Taylor
          • Selma Blair
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            ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 07 Sep 2018 00:57:31 +0200
            Mentes Poderosas http://www.scifiworld.es/reviews/mentes-poderosas.html http://www.scifiworld.es/reviews/mentes-poderosas.html Mentes Poderosas

            X-Men meets Hannah Montana

            Se que el olor a chamusquina de Mentes Poderosas podía captarse desde la Antártida, pero que queréis que os diga, la esperanza es lo último que se pierde. Aun así, no hubo sorpresa y la película resultó ser un inicio de saga light más para adolescentes flojeras, de los que escuchan Paramore en lugar de Blink 182. Y digo un inicio y ya está por que al igual que pasó con Crepúsculo, no se recomienda el visionado de las demás secuelas. Se antojan mucho más interesantes las de Ghoulies.

            Después de que una enfermedad matase al 98% de los niños y jóvenes de los Estados Unidos, el 2% que consiguió sobrevivir ha desarrollado superpoderes, pero se los ha encerrado en campos de internamiento al ser declarados una amenaza. Una de esas niñas de 16 años, Ruby, consigue escapar de su campamento y se une a un grupo de adolescentes que huyen de las fuerzas del gobierno.

            Como también, casi siempre, la idea es buena. O, mejor dicho, no es mala del todo. Ignoro por completo el contenido de la serie de novelas en las que se basa, pero una vez vista la ejecución de la misma en pantalla se confirma que nos enfrentamos a la enésima distopía adolescente, que, dicho sea de paso, al haber ya tantas, Mentes Poderosas sirve casi como de recopilatorio de varias de ellas unidas, los tópicos más innecesarios vistos en producciones del calibre de La Quinta Ola o El Corredor del Laberinto, esta última sin ser tan infecta como sus hermanas.

            Sinceramente habría funcionado mucho mejor como serie, incluso hasta parece un capítulo piloto alargado de una de ellas. Aparte, los protagonistas parecen interpretar para eso, para una producción más destinada a mercados domésticos varios, al igual que casi toda la realización de la película en la que destaca (para mal) algunas secuencias de FX, donde a veces canta demasiado para tratarse del producto que es. Se echa en falta, a modo de capricho personal, un rostro archiconocido. Ya no en un papel principal, en el que valdría como ejemplo Chloë Grace Moretz en la ya mencionada La Quinta ola, sino, aunque hubiera sido prácticamente a modo presencial, más del estilo Ashley Judd en la saga Divergente y Harrison Ford o Ben Kingsley en El Juego de Ender.

            En resumidas cuentas, una utopía teen más que resulta fallida en conjunto ya que, como era de esperar, no le saca el jugo necesario a la narrativa post-apocalíptica en favor de un romance tan forzado como evidente. Hasta se permiten el lujo de hacerle un pseudo-homenaje a Thanos.

            • Mentes Poderosas
            • The darkest minds
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              ignacio@artisticfilms.es (Ignacio López Vacas) Críticas Fri, 07 Sep 2018 00:44:58 +0200
              El cine italiano y el documental protagonistas de Brigadoon 2018 http://www.scifiworld.es/tv/el-cine-italiano-y-el-documental-protagonistas-de-brigadoon-2018.html http://www.scifiworld.es/tv/el-cine-italiano-y-el-documental-protagonistas-de-brigadoon-2018.html El cine italiano y el documental protagonistas de Brigadoon 2018

              Además, Ron Perlman –premio Màquina del Temps– dará el pistoletazo de salida de la Sitges Zombie Walk.

              La película brasileña A mata negra, la alocada cinta española Apocalipsis Voodoo, una selección de lo más notable del género documental fantástico en la que destaca All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Exploitation Titan, y una retrospectiva del realizador José Ramón Larraz, conforman las líneas maestras de la programación de la sección Brigadoon de Sitges 2018.

              Entre los estrenos más destacados de largometrajes en el Brigadoon de este año, se encuentran los films italianos Rabbia furiosa, dirigido por el especialista en efectos especiales Sergio Stivaletti, y Little Wizards of Oz de Luigi Cozzi, una fábula fantástica e infantil alrededor del mundo de Oz. Zombis, policías y música funk se combinan en la película española Apocalipsis Voodoo de Vanis J. Ramos, mientras que la brasileña A mata negra, de Rodrigo Aragão, se centra en la aparición de un libro de magia que desata el mal sobre la Tierra. Se presentarán también en Brigadoon los documentales Goodbye Ringo, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City; Director Z, el vendedor de ilusiones, de Oskar Teixidor, acerca del cineasta vasco José María Zabalza; Navajeros, cen sores y nuevos realizadores, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del llamado cine quinqui, y La venganza de Jairo, de Simón Hernández, sobre el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó el Festival en la edición de 2013.

              El Premio Nosferatu, como ya se anunció hace unos meses, recaerá en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, que presentará en Sitges el film Terror (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972). El Premio Brigadoon Paul Naschy se decidirá entre los siguientes cortometrajes seleccionados: Keep the Gaslight Burning, Birth, The Itch, Baghead, Casa Cheia, Hay algo en la oscuridad, Bailaora, La bestia y Bec (Black Eyed Child). Forman el jurado para conceder este premio el realizador Jaume Balagueró; el director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Josemi Beltrán y Loles Fanlo, subdirectora del D’A Film Festival de Barcelona.

              Dentro del Sitges Documenta, la sección de Brigadoon dedicada al género documental, sobresalen, entre otros, el documental centrado en la figura de Umberto Lenzi, All Eyes on Lenzi: The Life and Times of the Italian Explotation Titan, dirigido por Calum Waddell; el film de The Ambrotype Group, George Romero: An Independent Man, donde se analiza la figura y obra del director estadounidense, y Hammer Horror: The Warner Bros Years, de Marcus Hearn, que se concentra en las coproducciones con Warner Bros., como por ejemplo Dracula Has Risen from the Grave o The Satanic Rites of Dracula.

               

              HOMENAJES, SESIONES ESPECIALES, RETROSPECTIVAS Y ENCUENTROS

              Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu del Festival. Nacido en Massa Marittima, en la provincia de Grosseto en 1931, Lenzi se formó como cineasta en Roma y debutó en la dirección en 1958 con la película Mia Italida stin Ellada. Apasionado del celuloide, su carrera se desarrolló en los años 60, 70 y 80, convirtiéndose en uno de los grandes especialistas del género policíaco y de terror de bajo presupuesto. Entre las películas que se podrán ver en Brigadoon, se encuentran La guerra del hierro (1983), Una droga llamada Hellen (1970) y La invasión de los zombies atómicos (1980).

              Brigadoon también contará con Sesiones Especiales, como la proyección de la película Verónica que contará con la presencia de su director, Paco Plaza, con el que los espectadores podrán compartir un coloquio; o el capítulo El hombre que vendió su alma, integrado en la serie Mañana puede ser verdad dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina, y que ha sido recuperado y digitalizado recientemente. También será una proyección especial la del clásico de Iván Zulueta, Arrebato, cuya copia ha sido restaurada y se reeditará próximamente.

              El fallecido realizador José Ramón Larraz contará con una retrospectiva de su trabajo, con la proyección de algunos de sus films restaurados, en colaboración con Arrow Film, como Vampyres (1974) o Deadly Manor (1990).

              Otro de los momentos más interesantes y emotivos será el encuentro con la mítica actriz Dyanne Throne, conocida por la famosa ‘trilogía de Ilsa’, y su marido, el también actor Howard Maurer. Ambos compartirán un coloquio con los espectadores antes de la proyección del film Greta-Haus ohne männer (1977), dirigida por Jess Franco.

               

              SITGES ZOMBIE WALK

              La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y cuyo pistoletazo de salida irá a cargo del actor Ron Perlman, premio Màquina del Temps de la edición de este año. La Zombie Walk 2018 volverá a ser un punto de encuentro para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de Sitges.

               

              • Sitges 2018
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                info@scifiworld.es (Scifiworld) Sitges Thu, 06 Sep 2018 19:46:17 +0200
                La Cosa, o de miembros crecientes http://www.scifiworld.es/cine/la-cosa-o-de-miembros-crecientes.html http://www.scifiworld.es/cine/la-cosa-o-de-miembros-crecientes.html La Cosa, o de miembros crecientes

                Generación de tejidos y suplantación de huesped; más real de lo que parece

                La Cosa (1982) del maestro Carpenter (invitado en Sitges 2018) es una joya del cine fantástico y un despliegue sin parangón de efectos especiales de alta calidad. Todo un bofetón a todo CGI visto hasta ahora.

                En esta película la suplantación de identidad adquiere una nueva visión, el alienígena asimila al huesped recreándolo perfectamente mediante la reconstrucción completa del individuo.

                Las transformaciones, mezclas de seres y crecimientos de nuevos miembros vistos en esta película son espectaculares, pero no tan fantasiosas como parecen. En la naturaleza estos fenómenos se producen aunque no sean tan asombrosos, no hay que hacer taquilla.

                 

                Crecimiento de nuevo tejido

                Las elongaciones de tejido que se ven en la película tienen un símil en la naturaleza. Ese es el hongo llamado Cordyceps, parasitario de insectos, artrópodos y arácnidos. Cuando este hongo infecta al huesped se apodera de sus tejidos y los reemplaza, haciéndoles crecer un pedúnculo el cual actúa como propagador de las esporas del hongo. En insectos se ha observado que antes de morir se dirigen a las partes más alta de las plantas para maximificar esa propagación de esporas, esto en un claro ejemplo de control por parte del hongo.

                 

                 

                 

                 

                 

                 

                 

                 

                 

                Comportamiento extraño

                De comportamiento extraño trás la infección también se tiene el ejemplo de otro hongo, el Massospora. Este cuando infecta a las cigarras crece dentro del insecto, consume sus órganos y convierte partes de su cuerpo en un masa de esporas, produciéndole en una semana la muerte. Aunque les suceda esto los insectos siguen comportándose igual. Los investigadores creen que el hongo los droga para que no se enteren de lo que les sucede.

                A parte de esto, el comportamiento se vuelve extraño; los machos se vuelven hiperactivos e hipersexuales, intentando aparearse con cualquier cosa aunque sus genitales hayan sido devorados. Este comportamiento se da para esparcir las esporas ubicadas en lo que era el cuerpo del insecto, al restregarse por los nuevos hospedadores los infecta.

                 

                Congelado miles de años

                En un laboratorio del Instituto de Química-física y biológica de ciencia del suelo, cerca de Moscú, se han descongelado cerca de 300 gusanos congelados en el permafrost. Dos de ellos proceden del pleistoceno, uno de alrededor de 41700 años y otro de 32000 años. Después de descongelarlos estos mostraron signos de vida; se movían y alimentaban. Esto demuestra la capacidad de organismos pluricelulares de sobrevivir a la crioconservación durante miles de años, abriendo campos de investigación tanto en criomedicina como en astrobiología.

                Aquí se tiene otro claro ejemplo de inspiración científica para el desarrollo de un ser extraterrestre, este toma habilidades reales que si se dieran a nuestra escala sería inquietante. Estemos tranquilos, no somos insectos.

                • La Cosa
                • The Thing
                • Carpenter
                • Ciencia vs Ficción
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                  cardescu@gmail.com (Cristian Cárdenas) Cine Wed, 29 Aug 2018 13:24:15 +0200